Шесть художников меняют наш взгляд на мир

Для этой международной группы талантов прошедший год был моментом невероятной продуктивности и свободы.

Для этой международной группы талантов прошедший год был моментом невероятной продуктивности и свободы.

Тау Льюис работает с переработанными материалами: «Вещи хранят воспоминания и информацию…они несут с собой истории » © Flo Ngala

Тау Льюис

27, НЬЮ-ЙОРК

В скульптурах Тау Льюиса есть что-то потустороннее — какое-то сверхъестественное сходство с людьми и какое-то озорство. Художница, родившаяся в Торонто и живущая в Бруклине, выставляла свои работы в течение последних восьми лет, но ее практика самоучки является результатом «непрерывного путешествия в поисках и изготовлении материалов», — говорит она.

Основой моего искусства является то, что я работаю с переработанными материалами.

У нее запланированы две персональные выставки в Европе — в лондонской галерее Hayward и парижском Фонде Louis Vuitton, а также несколько выставок по всему миру, от Национальной галереи Канады до музея Хаммера в Лос-Анджелесе. 

В настоящее время ряд работ выставлен в Лондоне в  галерее Стивена Фридмана (до 15 мая). Групповая выставка Threadbare исследует взаимосвязь между тканями и телом, что является неотъемлемой частью практики Льюиса. Часто ее работы начинаются с спасенного предмета одежды или найденного объекта; идея состоит в том, чтобы использовать знакомые материалы. «Вещи хранят воспоминания и информацию, — говорит она. «Они несут с собой истории». 

Льюис в своей студии в Нью-Йорке © Flo Ngala
«Когти орла, лестница смерти, милостью Бога, все будет хорошо» (2021) Тау Льюис © Flo Ngala

Иногда требуются месяцы ручного шитья, чтобы ее видение воплотилось в жизнь. «Гармония» — произведение, которое каждый год переосмысливается, — это воплощение «тьмы космоса», — объясняет она. «Я хочу создавать места, куда можно пойти. Мои работы уносят меня из этого мира, из этого царства ».

Внутри каждой новой скульптуры есть кусочек последней — кусок ткани или перепрофилированная нить. «Я раскрываю научную фантастику в каждой работе», — говорит Льюис. «Все связано.» Самый радостный момент — когда ее фигуры оживают. Она считает их сосудами для духов, предков и сказок. «Магия фигурной скульптуры отчасти заключается в том, что она похожа на игрушки и куклы, которые у нас есть, когда мы растем», — говорит она.

Мы видим в них себя. Есть часть нас, которая ждет, чтобы они ожили, чтобы они ответили им, или чтобы их глаза пошевелились. Это действительно волшебная часть человеческого духа.


Лиза Брайс

52, ЛОНДОН

Лиза Брайс с (на полу) «Девушка с границы (Натали)» (2009-2017) и (справа) «Между этим и этим» (2017) © Адам Дэвис. 
Предоставлено Лизой Брайс и салоном 94

Картины лондонской художницы Лизы Брайс, уроженки Южной Африки, легко узнаваемы по ярким оттенкам синего кобальта. Это смелая подпись, которая, наряду с ее навыками создания повествования с помощью жестов и вниманием к женскому телу, привлекла внимание к персональным выставкам в лондонской галерее Tate Britain, а также в галерее Стивена Фридмана и салоне 94 в Нью-Йорке. 

Брайс достигла именно этого синего цвета в ответ на свет неоновой вывески; она хотела «запечатлеть мимолетный цвет сумерек — этот переходный сумеречный час — красками». Цвет приобрел новое значение, когда она работала с ним. «Я ассоциирую это с Тринидадским Голубым дьяволом, грозным карнавальным персонажем». Цвет также создает неуверенность, что является центральным элементом ее стиля. «Это может означать, что кожа покрыта краской или окрашенной грязью, затемняются естественные оттенки кожи и мешает легкое или условное прочтение предмета по этническому признаку», — говорит она. «Все это усиливает идею трансформации и добавляет двусмысленности повествования в работе».

В последние годы ее практика включала переделку персонажей или сцен из исторических произведений искусства мужчинами, чтобы дать испытуемым новую свободу действий. В своей картине 2017 года «Между этим и этим» женщина, курящая сигарету, вспоминает фигуру швейцарского художника Феликса Валлоттона «Белое и черное» (1913), только в версии Брайса женщина сидит напротив стоящей, одетой и замаскированной фигурой, а не фигуры спящей обнаженной женщины. В  фильме «Дым и зеркала», который станет центральным элементом нового шоу в Салоне 94 в январе следующего года, группа обнаженных женщин показана в зеркале, курящих, пьющих и развешивающих картины, что, по ее словам, является отсылкой к A Bar. в Фоли-Бержер(1882) Эдуарда Мане с его скучающей буфетчицей. «Мне нравится думать, что картины — это полная противоположность искажению фактов», — говорит она. «Восстановление холста всеми моделями, художниками, женами, любовницами и исполнителями». 

Новая серия ее работ на бумаге, которая должна быть представлена 19 мая в доме съемок Bloomsbury в Сассексе, в Чарльстоне , еще больше исследует динамику между художником и моделью. «Мне интересно, как люди себя представляют и как себе представляют, что они стремятся воплотить», — объясняет она свое вдохновение для шоу.

«В последнее время я просматривала множество изображений, нарисованных или сфотографированных женщин-художников на протяжении всей истории. У них очень часто появляются сжимающие палитры и пригоршни кистей: защитные, вызывающие, настороженные, суровые. Кажется, что они заявляют о своем статусе в рамках выбранной профессии или призвания, претендуя на место для себя».


Альваро Баррингтон

38, ЛОНДОН

Нечасто выставка в крупной художественной галерее заимствует свое название из лирики канадского рэпера Дрейка. Но тогда Альваро Баррингтон , художник, родившийся в Венесуэле и выросший в Гренаде, а затем в Бруклине, — не обычный художник — он, скорее всего, черпает вдохновение в Басте Раймс или Лил Ким, как Марк Ротко или Керри Джеймс Маршалл. Выставка «Не делай этого для братанов, мужики этого не заметят. Просто сделай это для себя, ты, самый крутой» , которая открылся в марте в Марэ, парижском форпосте галереи Таддея Ропака (одной из восьми престижных галерей по всему миру, с которыми он работает), — это выставка новых картин художника, откликающегося на события прошлого года.

«Я действительно хотел сделать шоу, в котором чувствовалось, что мы имеем дело с тем, что происходит в данный момент», — говорит он.

Я подумал, что это был момент, чтобы более позитивно подумать о том, что люди начинают делать для себя; это напомнило мне эту строчку из «Fancy» Дрейка. Картины стали вещами, которые люди делают в изоляции, моменте внутренней любви к себе. 

Новые работы — это полуабстрактные изображения людей в смелых тонах. «Я привел всех своих друзей к этим цветам, так что они почти как карикатуры», — говорит он. Одна картина смотрит вниз на силуэт женщины в ванне с оранжевой краской, со свечой и бокалом вина. На другом изображена серая фигура в позе компас-йоги, одна нога поднята высоко над головой на фоне нежно-розового цвета.

Книги в его студии Hackney © Адама Джаллох

Название шоу и игривый тон картин связаны с тем, что Баррингтон говорил о приоритетах: доступность и необходимость представлять культуры, в которых он вырос, в Гренаде и Бруклине. «Есть определенные способы, которыми мы входим в пространство», — говорит Баррингтон. «Некоторые из них очень привлекательны для одних, а некоторые — нет. Артисты должны нести ответственность перед своим поколением и людьми, с которыми они тусуются. Они должны быть голосом этих людей». От богатого разнообразия мест, в которых он демонстрирует свое искусство, до названий своих выставок и смелых, увлекательных работ, практика Баррингтона заключается в открытии искусства вовне.

Мои картины никогда не должны заставлять кого-то чувствовать себя немым. Я думаю, что работа художника обычно состоит в том, чтобы просто сказать: вот что я переживаю. И если это резонирует с вами, тогда это реально; если нет, то нет.


Виктория Кантонс

51, ЛОНДОН

Виктория Кантонс в своей студии в Брикстоне. Крупные произведения искусства (слева направо): «Орден любви или пока мир горит снаружи» (2020–21 гг.). Le Visage De L’Amour или Лабиринт (2021). Что от нас выживает (2020). Слева: Новая веха (2020) © Бенджамин МакМахон

«Это способ прочистить водосточные трубы», — говорит Виктория Кантонс о своей живописной практике. Этим летом лондонская художница и куратор окончила Школу изящных искусств Слейда и выставлялась в галерее Саатчи, Белом кубе и Королевской академии художеств — и все это в течение года. И 2021 год развивается аналогичными темпами: в следующем месяце состоится презентация ее выпускников, а в июле — общая выставка в сингапурской галерее Cuturi . 

Родилась в 1969 году в семье француза и матери-испанки, которые эмигрировали в Великобританию в 50-х годах. Кантонс выросла в пригороде на юге Лондона. Творчество не поощрялось. Несмотря на ее любовь к рисованию в стиле «Пикассо», она не хотела заниматься искусством профессионально. «Что касается действительно серьезного отношения к живописи, это началось, когда мой отец умер», — говорит она. Но позже, после смены пола и развода, она начала учиться в художественной школе в возрасте 43 лет. 

Этот опыт часто встречается в работе Кантонс. По ее словам, живопись — это попытка осмыслить ее прошлое. Она сравнивает свой процесс с работой археолога: «Это все равно, что взять мой мастерок, пойти на задний двор — который похож на мою мастерскую — и просто соскрести. Я знаю, что есть что-то под поверхностью, но я не знаю, что именно ».

Кантонс часто возвращаются к определенным изображениям. Цветы, например, стали постоянной темой после смерти ее матери, увлеченного садовника. Другие отсылки — это дань уважения ее художественным героям — тарелка фруктов для Пикассо или фон, вдохновленный Фридой Кало и Голубым домом Диего Риверы. В своей недавней работе A New Landmark Кантонс позаимствовал композицию у Эдварда Мунка. «Я искала, как я могу исследовать это через женский взгляд», — говорит она. Все ее творения «отскакивают друг от друга», — добавляет она. «Я постоянно ссылаюсь на прошлые работы».

Но хотя картины Кантонс уходят корнями в ее прошлое, они также стремятся подтвердить ее место в настоящем. «Когда я смотрю на канон истории искусства и оглядываюсь вокруг, я не слышу, как кто-то говорит то, что мне нужно услышать», — заключает она. «Я сама должен быть таким голосом».


Флориан Кревер

35, НЬЮ-ЙОРК

Флориан Креуэр в своей студии в Бронксе, Нью-Йорк. 
Его работы находятся в стадии разработки и пока не имеют названия © Landon Speers

«Я никогда не думал, что буду изучать искусство», — говорит Флориан Кревер, уроженец Германии, уроженец Южного Бронкса . «Я думал, что у меня нет таланта». Но когда он учился на архитектора в Кельне, одну из его картин увидел профессор, который посоветовал ему потренироваться в городских галереях. Три года спустя, с новой любовью к немецкому экспрессионизму, Кревер начал учиться у Питера Дойга в Kunstakademie Düsseldorf. Отношения глубоко повлияли на его работу. По его словам, без Дойга он не нашел бы своего художественного языка. Теперь Кревер готовится к персональной выставке в лондонской галерее Майкла Вернера этой осенью.

Картины Кревера изображают мир на грани реальности — наполовину сказочный мир, наполовину городской пейзаж. В сериале «Глаза в огне» , который он выставил в прошлом году на выставках «Бродяга и Майкл Вернер» в Нью-Йорке, изображен город, раздираемый протестами, социальными беспорядками и последствиями пандемии. Цифры сбивают вас с толку. «Вот где чувство», — говорит он о персонажах, основываясь в основном на фотографиях друзей. Смутные и нечеткие, они дерутся, крутятся колесами и пролетают через туманный мегаполис. 

Криер благодарит британского художника Питера Дойга, который помог ему найти свой художественный язык © Landon Speers

Кревер все чаще обращается к животным. «Особенно кошки», — говорит он. «Вы не сомневаетесь, мужчина это или женщина. У них элегантная манера движения, но они также агрессивны. Мне нравится двусмысленность». Своей предстоящей работой он намерен побудить свою аудиторию принять различия людей. «Может быть, некоторые люди будут немного шокированы», — говорит он о повышенной сексуальности в своих новых картинах, многие из которых изображают обнаженные фигуры в непристойных позах. «Вся эта свобода — мне это нравится».


Зизифо Посва

41, КЕЙПТАУН

Зизифо Посва в своей студии в Солт-Ривер, Кейптаун © Rudi Geyser

После нескольких распроданных коллекций и работ, хранящихся в списке международных организаций, включая Lacma (Музей искусств округа Лос-Анджелес) и Художественный музей Филадельфии , художница- керамистка из Кейптауна Зизифо Посва в настоящее время проводит свою первую персональную выставку в Южная Гильдия, в ее родном городе (до 1 июля). Культура и люди из ее детских домов — в городе Мтаха и сельской деревне Идутива на востоке Южной Африки — по-прежнему занимают центральное место в ее работе, которая исследует аспекты идентичности чернокожих женщин.

Даже с юных лет Посва видела искусство в повседневной жизни вокруг нее: «Дома не было художественных школ, — говорит она, — но я была творческой. Я использовал найденные предметы вокруг себя, создавал маленькие скульптуры, рисовал на уроках ». Ее мать, учительница, привила ей ценность творчества. «Она взращивала мое творчество. Она создала впечатление, будто искусство — лучшая карьера во всем мире ».

В ее новом шоу будут представлены 10 больших, скрученных вручную горшков, украшенных бронзовыми рогами, в знак уважения к духовному подношению, лежащему в основе древнего африканского обычая лобола , или приданого невесты: корове. «Я черпаю вдохновение в своей культуре», — объясняет она. «Я рассказываю историю подлинности лоболы , чтобы подчеркнуть, что важной частью является объединение двух семей — и что они должны поддерживать, если в браке есть какие-либо проблемы».

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.

Капча загружается...

 

 / 

Войти

Отправить Сообщение

Избранное